不久前，特别好奇因为热搜而飘扬。
张咸云？马冬梅？
一个是可爱的萝莉，一个是泼辣的年轻女人，似乎完全不合适，居然能同时上热搜？
没想到，一进去就被张咸云吓了一跳。
像，真的太像了。
但凡听过这段配音的人，都会做出如下感叹。
这就是原声啊
可震惊之后，回过神来，飘飘这才意识到：
我们都被“骗”了。
张含韵的配音片段，来自《声临其境》第三季。
声临其境，最重要是“声”吗？
不，应该是“境”。
声音的存在，始终为表演服务。
表演的精准，才构建出正确的“境”。
想想前两季那些惊艳、甚至封神的片段——
王劲松的《大明王朝1566》。
刘敏涛的《一个陌生女人的来信》。
表演者无一不是跨过声音的外在差别，抓住角色的情感逻辑，直抵观众的共鸣区间。
所以说，这档节目理应更注重演员的二次加工。
这种加工，不只是口型贴合、声线相似。
更是在充分理解、吃透角色的性格和处境之后，以声音的形式，表现出TA最恰当的反应。
音色，只是皮。
感情，才是骨。
举个类似的例子，《我是歌手》。
在拿到一首歌的时候，优秀的歌手，应该在原曲的框架下，试图为它注入新的曲风、情感，甚至人格。
而不是一字一句地模仿原唱，从节奏到曲调，从气息到音色，一概照搬。
可这一季《声临其境》，似乎有让声音抢戏之势。
一个直接的体现就是——
最受关注的，未必演得最好，但一定演得最像。
而每每碰到这样的表演，观众都形成了套路般的反应：先是一脸震惊，然后疯狂称赞。
夸来夸去，也离不开一个“像”字。
比如贾乃亮、张含韵。
一个模仿《都挺好》中的苏大强。
另一个更厉害，《冰雪奇缘》《夏洛特烦恼》《欢乐颂》，通通刷了一遍。
从音色上来说，两位完全能够以假乱真。
尤其是张含韵，可爱如安娜，泼辣如马冬梅，娇俏如曲筱绡。
无缝切换，声音的塑造能力着实了得。
但，从表演能力来看。
飘飘觉得他们更像是大学生的日常小品。
尽职地完成了“像”的层面。
但，离理解和塑造，还差一层。
毕竟声音的相似度，不该成为观众评判演员能力的标尺，也不该成为演员的主攻发力点。
像原音，固然能出圈。
但不像，也无妨。
因为“像”原来的演员，不等于像人物。
就拿张含韵最惊艳的《夏洛特烦恼》来说。
她因为几乎完全贴合了马丽的声音，而受尽褒扬。
但仔细拆解一下，你会发现她做到了形似（能有这个模仿能力，已经非常厉害）。
而在“神”上，是断的。
就从台词和形体来看。
故事背景，是夏洛充大款去参加初恋的婚礼，在婚礼上喝多了，众人面前出尽了洋相。
这时，夏洛的妻子马冬梅到了。
她走近夏洛，说了第一句话：夏洛，你不是说，你给你妈扫墓去了吗？
这个拙劣的借口，暗示了夏洛在家里的地位，是低于马冬梅的。
所以此时马冬梅的口气，应该是表面温和（给大家留点面子），实则质询（在发火的边缘）。
说完之后，观众会自动脑补出她隐藏的后半句：那你他妈的现在是在干啥呢？
而张含韵说的这第一句话，却偏于温柔。
人，是略微抽离在戏之外的。
因为没有表现出马冬梅在家庭关系中比夏洛更高一层的事实。
也就没有为马冬梅后续完全控制整场节奏埋下应有的伏笔。
除了语气之外，张含韵在咬字和重音的把握，也有遗憾的细节。
马冬梅和夏洛说完话，转身向秋雅打招呼：秋雅，你看我都不知道你结婚。
这句话包含了略微的自责和窘迫，要强调的信息是“不知道”。
但张含韵说得有些急促：chya，你看我都不er道你结婚。
听着不大像自责，反而像撒娇。
而且这连读+卷舌的发声方式，也不大符合东北人的说话习惯，反倒有几分北京话的感觉。
另外，马冬梅在声讨夏洛从没挣过钱的时候，骂他：
你成天在家躺着，四肢都快躺退化了！
这句台词的重音，应该是“退化”，情绪是往上走的。
而张含韵把重音，放在了“四肢”，后面的情绪就缺少一个爆发点。
大家可以试一下，以张含韵的口气说出来，马冬梅原本火气满点的愤怒，会被削减不少。
除了台词瑕疵，张含韵在形体上的表达，也有改进之处。
当马冬梅向夏洛回忆两人当年结婚的场景时。
她眼神望向远处，然后闭上眼睛，沉沉地叹了口气。
这无声的几秒钟，她想到了自己结婚时的简陋，并竭力克制着心理落差带来的难过、不甘和失望。
闭眼之前，是愤怒。
睁眼之后，是委屈。
在这个情感浓度最饱满的时刻，张含韵却直接跳过了意味深长的“闭眼”。
她的眼神几乎没有变化，就这么一直瞪着前方，反倒显得有点虚焦，并不像在对着丈夫控诉。
而原本由愤怒转向委屈的情绪，也就这么断掉了。
在飘飘看来，张含韵其实是有“身到口到”的意识的。
毕竟在配《冰雪奇缘》的时候，她能够做到和角色的表情和形体同步。
而《夏洛特烦恼》呈现出的“呆板”，我想可能是因为，她在配音过程中，心里一直悬着一个提醒：
声线要压低，口型要贴合，怎么像马丽怎么来。
这样一来，便忽视了声音之外的辅助表演。
所以你看她眼睛几乎不眨，但嘴上台词不停，只剩脑袋里的阀门全程引导：这句话该这么说，下句话该那么说。
而观众，自她开口之始，就沉浸在“好像马丽！”的惊喜中，也就忽略了她造“境”的成果。
贾乃亮版的苏大强，也有类似的问题。
在苏大强患阿兹海默症之后，他给明玉买的习题集不小心被撕碎了。
他心疼得不得了，因为老婆不让买，这钱是他好不容易攒下来的。
所以他的情绪和目光，始终集中在习题集上面，而不是去责备将习题集撕掉的人。
他把撕碎的纸张铺在墙上，试图按照页码顺序将它们还原。
一边努力拼凑，一边讲述这本书的意义。
我好不容易攒够了钱，我就想给她买这本书。
现在这可怎么办？
你说这要是缺了一页，看不了了，明玉就考不上重点高中了。
正是这番话，让苏明玉当场泪崩。
但，苏大强这番话，看似在解释，实则是无意识的自言自语。
他已经全然无视外界环境，心里只担心无法向女儿交代。
此刻的他，是着急、心疼又无助的。
像个思维混乱的小孩，不像条理清晰的大人。
但贾乃亮在演这段的时候，目光不仅没有看着习题集，反倒还透着一种坚定。
仿佛在向对面的人，认真解释一件事。
既让苏大强对习题集的心疼程度打了折扣。
也不像阿兹海默症患者当时应有的失忆状态。
总之，两期节目看下来，飘飘承认并佩服：他们在声音外在方面，近乎完美。
但，声音下面的种种情绪递进，却没能精准传达。
当角色相对扁平的时候（张含韵版《冰雪奇缘》，贾乃亮版《西游记》），他们会有相对完整的表现。
而当角色不好控制的时候，他们便试图通过音色，达到“障眼”的目的。
而观众，很容易被这“假象”诱拐。
这或许也是为什么，不少观众看完《声临其境》，都会产生这样的疑问：
为什么这些人配音这么“厉害”，演戏却没有看出来有多牛掰？
这个尴尬的问题，或许可以归因如下：
大众、包括一些配音节目本身对于配音的认知和审优标准，都停留在“像”上。
而，演戏不是。
即使前有珠玉，你也不会因为像之前的扮演者而清香，反而会因为没有自己的塑造被批评。
像《声临其境》选取的片段，时常不过两三分钟，并且原片已经提供了非常工整的模板。
准备一段配音，参赛者只要提前多听、多练、多模仿（就像备战大学的外语配音比赛）。
照葫芦画瓢，没有十分满，也能有七分像。
比如贾乃亮，一直就很喜欢在“小咖秀”模仿。
张含韵，几年前就开始玩儿英语电影配音。
他们都算是配音的资深爱好者，所以在表演的时候，将模仿的天赋敞开了释放，就能惊艳全场。
为了更丰富地展现自己的能力，他们还倾向一人分饰多角。
不管是贾乃亮的《西游记》、张含韵的《冰雪奇缘》，包括韩雪之前的《海绵宝宝》《头脑特工队》。
都习惯用“量”来展示自己的配音能力。
这对于演员来说，很容易收割观众的第一好感。
但，这些走量的角色，形象都比较单薄。
表演者只要构建出明显的声音特点，用相对夸张的发声方式，就基本完成了角色塑造。
他们在配的过程中，首要思考的是反应力，而不是共情力。
走的是脑，而不是心。
所以，惊艳感来得很快，退得也很快。
而优秀的作品，或许应该像何冰和胡军讨论的标准——
我们配一段台词的时候
我们更应该尊重他的表演
还是去寻找另外一条道路？
最关键还能赋予它生命的话
要有表演存在的话，就好了
这就是“演”和“配”之间的距离。
演戏属于自我创造，而配音更偏向模仿。
创造，大都从模仿开始。
但一味模仿，却无法实现创造。
所以配音配得像，未必演戏演得好。
但演戏好的人，配音多半不会差。
比如刘琳的《红樱桃》。
她配音的角色，是一个13岁的少女。
一开口，嗓音就完全还原了角色年龄。
这时候再去纠结像不像原声，已经没有意义。
女生的自白，是在讲述父亲被杀的经过。
刘琳的声音，表面铺着隐忍和悲伤，但内在始终把持着“革命到底”的坚定，赋予了这个角色第二种生命。
刘琳把她自己对人物的理解
幻化到《红樱桃》这个人物当中
反而使这个人物的感染力提升了
之后她配的《骆驼祥子》的虎妞、《我的前半生》的唐晶，《误杀》的拉韫，也同样把自己包裹在故事里，充分还原了角色的状态。
不管是形体、眼神，还是呼吸、语气，她都完全入了戏。
观众也在她的带领下，入了“境”。
但，能想象吗？
刘琳此前完全没有接触过配音。
这不可思议的事实，或许恰恰说明：
精心粉饰的声音表象，始终不敌内力深厚的情感。
而后者，才应该是《声临其境》追求的高度。
当年这个节目一鸣惊人，观众频频称赞。
不就是因为参赛嘉宾，本身就是演技过硬的实力演员：
赵立新、王劲松、徐帆、朱亚文、潘粤明……
最初的那一批人，也都不是来展现自己能配多少人、能怎样大反差、声音能有多像的。
观众在这些专业人的引导下，才能接触、体会到声音在演戏中的作用和魅力，才能挖掘出一颗又一颗蒙尘的珍珠。
而第二季，嘉宾请来了流量、老戏骨，还有配音演员。
本想营造反差的话题，却陷入流量当局的争议，导致评分断崖下跌。
这一季的《声临其境》，做了不少大刀阔斧的改革。
又是换主持、又是改赛制。
周涛很好，PK很刺激，但这始终是表面文章。
在最该雕琢的“声”，最该营造的“境”，节目组却忽视了。
不仅过分侧重音色的模仿，使它沦为声音版《百变大咖秀》。
还保留了毫无意义的剪辑、增设了喧宾夺主的环节——
演员配音的时候，镜头总会切到观众震惊的表情，折损作品的视听效果。
导师选人的时候，常常沦为大型戏精现场。
一会儿外甥女帮着“舅舅”支招抢人。
一会儿表演土味情话现场告白。
甚至，就连考验台词功底的环节，也更偏重娱乐性，弱化专业性。
比如让韩雪用十种口气（萝莉、女王……）念《木兰辞》。
这种通过压低、捏嗓，区分人物的把戏，小学生都不玩了。
或者让几位选手给抖音搞笑视频配音。
没必要，真没必要。
看得出来，节目组既想让优秀的演员维持表演的高度，又要设置低幼的环节拉拢年轻群体。
只是这频繁的插曲，对节目质感没什么提升不说，反倒显得不伦不类。
倒不如老老实实地返璞归真。
把话筒让给声音。
把声音交给人物。
把演员留给观众。
各司其位，才能各显其能。
