在一幅名作，或者光影装置多变的炫目空间里，一堆网红脸嘟着艳红的嘴唇、身着紧绷绷的服装，排队摆姿势拍照，成为如今许多艺术展上常见的场景。艺术本身没有问题，但当它们变成网红摆拍的背景，一切都变了味儿。可能这些艺术摆拍者并不清楚夏加尔画中飞起来的牛、马和鸡意味着什么，对伊夫·克莱因的认识也仅限于“克莱因蓝”这个颜色，他们对文化内涵一知半解没关系，气氛拉满照片拍美、营造出“我很有精神追求”的氛围就行。
可是，只要稍稍推敲一下会发现，如果他们在上学时不在美术课上传小纸条，而认真多听几句讲课，或者用来浏览某红书、某宝的时间少一些，去阅读几本简略的艺术史书籍，哪怕是花时间看一场艺术家传记电影，想必是不会出现明明在莫奈的《睡莲》面前拗造型，却沾沾自喜地在精修过的照片上标注成对“现代主义大师毕加索作品的热爱”这种尴尬情形的。 当代艺术丰富的展览形式，以及互动的可能，更使“摆拍”成为一部分人最重要的参观目的。“奉上我的实地探测拍照攻略：推荐大家穿白色衣服，不撞色，就算你是拍照小白也容易出片！”略一搜索社交平台，不少网红经常推出打卡拍照指南，在他们的攻略里，当代艺术展成为绝佳的拍照背景板，拍照的宗旨是怎么拍最好看，“美术馆穿搭”“美术馆妆容”“美术馆滤镜”等是重点探讨话题。现代美术馆富有设计感的内部空间、布光以及个性化的艺术作品，成为吸引他们拍照的关键。
美术馆拍照姿势也形成各种风格，有无论如何不直面镜头的“从你的全世界路过”风格，像检查美术馆门窗是否关严的“45度角仰头冥想”风、各种夸张动作只差劈叉的“瑜伽舞蹈”风、人只占照片十分之一的“高级冷淡”风以及“假装认真看展”风——言外之意是：照片我是拍给大家看的，我是懂艺术的，而且还在与时俱进，在最时髦的展览上受艺术熏陶呢。
像上海TeamLab无界美术馆里的“呼应灯森林”这种“长时间在此空间内欣赏灯光，可能会感觉被光束淹没并失去意识”的网红拍照展，许多没有时间和兴趣亲临现场的人，一定也在社交媒体上不得不一遍遍被迫完成“在线看展（看人）”。“看展五分钟，修图两小时”，确实，比起认真读完一整本书、用心看完一部2-3小时的艺术电影所耗费的脑力，在一场展览“咔嚓”按下一张好看的照片带来的现场感、代入感，以及获得的视觉效应容易得多，也高效得多。归根结底，艺术展上的摆拍者们还是把社交媒体上获得的点赞数量和自我价值划上了等号。
当然，这种网红摆拍的情况在国内屡见不鲜，在美国纽约也时有发生。兰登国际的“雨屋”展览在纽约现代美术馆（MoMA）展出时，有人为了进去拍照体验10分钟由水、注塑贴砖、电磁调节阀、定制软件、3D追踪摄像头、钢梁、水处理系统、格栅地板组成的“雨屋”装置作品，而排队9个小时。2020年，笔者在纽约撞上了曾经在2016年一票难求，4年后又重新开幕的冰淇淋博物馆，好奇心驱使之下，花了人均40美元的票价进入其中探个究竟。若说展览有什么文化内涵，真的是乏善可陈，粉红的色调满满地书写着消费主义的无聊，但是一旦无聊的粉红色进入了照相机的镜头，这一切就变得不一样了，你瞬间明白冰淇淋博物馆为什么开了又开人气爆棚——因为粉红色的塑料甜甜圈、沙发、冰淇淋机实在是太上镜了。
艺术展览千千万万，观展者要齐刷刷地运用拍照手段凸现艺术知识和自己的文化品位，也不禁让真的喜欢艺术的人感到尴尬。 无论使用多么高清的镜头和好看的滤镜，照片都无法代替现场目睹感受到的作品之美。从美术馆方面而言，应避免以艺术为名的概念，做一些毫无内涵的装置，用大量色彩与灯光布景吸引眼球博取流量，沦为迎合观众拍照展示欲望的“主题乐园”，另一方面也要尊重观众的感受与期待，在坚持其学术主张、社会责任感的同时，提升观众参观体验。艺术一定是来源于生活的东西，是灵感、是思考，更是启迪，随之而来的作品才能被称为艺术品。如何让通过“拍照”踏入艺术殿堂的观众变成美术馆美育的对象，是美术馆和博物馆应该思考的课题。（徐佳和）
